Proyectos de Investigación en el IES Delicias

Curso 2018-2019

Todos los proyectos de investigación consisten en el diseño de una exposición virtual para el Espacio Creativo GaBe ubicado en el I.E.S. Delicias.

Tutores: Javier Castán y Arturo Caballero.


Irene Barra Mínguez

“Lo efímero del beso”

Nos pasamos la vida besando, dando y recibiendo besos. Desde el momento en que nacemos hasta el día que morimos, como decía Géraldy “ el más difícil no es el primer beso, sino el último´´. Las personas somos efímeras, y el beso ¿por qué no iba a serlo? Besamos sin saber lo que significa realmente, hay mucho más detrás, traición o engaño en el beso que Judas dio a Jesús o la pasión con la que Romeo se lo daría a Julieta.

Creo que un beso no es sólo un cruce de salivas sino que es una forma de mostrar tu interior, que no es sólo atracción si se mira más allá, no es únicamente el contacto entre dos labios, es algo más que todo eso. Son esas mariposillas revoloteando en tu estómago, ese corazón que con cada latir se sale más y más del pecho, esos ojos llenos de ilusión que va incrementando poco a poco y esas ansias de querer comerte el mundo. Y no, no solo se besa con la boca, porque aún sigo sin saber dónde se guardan todos los besos que esconden las miradas, dónde se quedan los besos que no damos, esos que guardamos por miedo, esas ganas de besar y quedarte con las ganas.  El beso en el arte siempre ha sido un tema muy representado, visible en esculturas y pinturas donde se representa, por lo general, como una muestra de cariño, por ejemplo en la obra de Bourguereau (Câlinerie). Sin embargo puede simbolizar el final de la vida notable en la obra de Hans Baldung donde la muerte da un beso que acaba matando a la mujer; también hay besos revolucionarios como el pintado en el muro de Berlín o forzados visibles en la foto de Víctor Jorgensen donde hay una pareja besándose siendo algo preparado.


Paula Castrodeza Carretero

“Muses”

La acuarela es, para mí, una de las técnicas más delicadas, elegantes y atractivas que existen. Con ella no se es posible alcanzar del todo una representación detallada de la realidad, pero eso es lo que le hace diferente a las otras técnicas: muestra una imagen distorsionada de la realidad, inclinada más hacia la contemplación del mundo del autor, y le da a la pintura una imagen menos enfadada. Tiene, en mi opinión, una representación mucho más expresiva y espiritual, alejada de la realidad como ya he mencionado previamente y mucho más sentimental y profunda; todo esto dependiendo de qué representación y el contexto de ésta, claro.

Conrad Roset es un autor catalán, especializado en esta técnica. Dado que los trabajos de Roset son tan extensos, he decidido centrar mi trabajo en uno en concreto que tiene el nombre de “Muses´´, de ahí el nombre de mi proyecto y uno de mis trabajos preferidos.


Marina Clemente González

“Apocalipsis”

El  tema que me gustaría tratar es el apocalipsis, ya que a lo largo de todo el curso, en la mayoría de temas que hemos estudiado en la asignatura de fundamentos del arte,  casi siempre alguna obra estaba relacionada con el apocalipsis.

Por eso, me interesa saber porque es tan común realizar obras con este tema y también poder comparar las diferentes maneras de interpretarlo tanto por diferentes autores y la época en la cual se realizan.

El trabajo lo desarrollare de manera cronológica es decir empezaré desde los primeros autores que representaron el apocalipsis en sus obras hasta las obras más “actuales” que han desarrollado este tema. De esta manera, comprobaremos como  han ido evolucionando la manera de representarlos a lo largo de tiempo.


Jana Juste Álvarez

“Coca-Cola”

He decidido realizar este proyecto centrado en este tema ya que me parece interesante tanto la historia de esta marca como su influencia en el ámbito internacional, llegando incluso a pertenecer al mundo artístico debido a numerosas obras basadas en ella.

Hace casi un siglo y medio, en 1886, el término Coca-Cola era inventado por el farmacéutico John Pemberton en Atlanta, Georgia (EEUU).

La Coca-Cola en el arte también tiene su espacio, ya que artistas como Andy Warhol en el pop art le dieron un gran impulso a la imagen de la marca. La publicidad de Coca-Colatambién podría ser considerada arte, como sus antiguas viñetas publicitarias, además de sus numerosos anuncios televisivos y sus eslóganes.


Guillermo Lubiano Villanueva

“Arte post-Internet”

Mi proyecto gira en torno al denominado “arte post-internet”, es decir, aquel que aborda los efectos de Internet en la estética, la cultura y más especialmente, en la sociedad actual. Visto, concretamente, desde el punto de vista de artistas de nuevas generaciones y a su vez, mostrando cómo estas generaciones son vistas en todos los aspectos por otros artistas.

A principios del siglo XXI, estar conectado a internet comenzaba a ser una situación imprescindible en la vida cotidiana de las sociedades de más elevado consumo. Con el término “post-internet” se estaba tratando de nombrar el inicio de una época en la que estar conectado sería inherente a la cultura en general.

La primera aplicación del término “post-internet” al mundo del arte se atribuye a la artista Maria Olson, según señala la artista, ella lo usó en el sentido de “arte después de internet”, es decir, Olson se refiere a obras realizadas en un momento de post-navegación por la red,

creadas “al estilo de o bajo la influencia de internet en alguna forma”, apuntando así al paso “desde la obra que era estrictamente en red y/o estrictamente online, a la obra cargada de la impronta de la vida en la cultura en la red”.

La mayoría de obras mostradas en la exposición serán, a poder ser, de artistas pertenecientes a la denominada “generación Y” o “millenials”, aquellos nacidos entre los años 1980 y 2000.


Kento Martín Taniguchi

“El espacio”

A lo largo de la historia del arte, los cambios esenciales se han producido cuando los artistas más relevantes se preocupan por el espacio, transformando el significado del mismo y suponiendo un cambio fundamental, ya sea mediante modos matemáticos o intuitivos. Según Steve Yates, una preocupación por el espacio constituye un componente vital para la creación de obras de arte visuales. Dicha preocupación es claramente perceptible mediante la observación de los avances en la perspectiva, experimentaciones e ideas que han aportado los creadores unidas a los materiales y las técnicas empleados para cada obra en las distintas épocas históricas. Especialmente en la actualidad la concepción del espacio, y por tanto de la obra, implica una unidad entre esta y su ubicación, caso que se da sobre todo en creaciones escultórica e instalaciones.

Generalmente el espacio, entendido como el conjunto donde se contiene todo lo existente, es una noción física en la que se concentra toda la realidad. El término “espacio” a menudo se relaciona con los conceptos: medio, lugar, ambiente, área, contexto… entre otros. Aunque relacionamos el espacio con la modificación del mismo determinada por las necesidades materiales del hombre, se ha llegado a debatir acerca de si el espacio como tal es una entidad real o una entidad conceptual.

El objetivo de este trabajo es mostrar una serie de ejemplos en los que se han llevado a cabo esas reflexiones espaciales que comparten tanto creador como espectador para la realización de las siguientes obras plásticas sin dejar de lado el campo simbólico contextual que se crea para que las representaciones comuniquen su contenido pese a la dificultad que supone el hecho de que se puedan comprender inequívocamente dichas significaciones.


Lucía Melero Pura

“Los ángeles en el arte”

En este proyecto voy a tratar de reflexionar acerca de los ángeles, incluyendo cómo son representados, por qué, y cuál es su significado. Comentaré diversas obras elegidas por mí misma y finalmente haré una reproducción virtual de la sala de exposiciones, García Benito, el IES Delicias, en Valladolid. Escogí este tema porque muchas veces en clase, viendo obras, aparecen ángeles, pero la mayoría de las veces no se sabe cuál es su significado realmente, por eso preferí basar este trabajo en ese tema antes que en otros. A lo largo del proyecto intentaré resolver dudas que pueden surgir cuando vemos un ángel en una obra, como pueden ser el por qué se les representa semi-transparentes, cómo se diferencia un tipo de ángel de otro, o incluso qué tipos de ángeles existen.

Me parece un tema interesante de tratar y que muchas veces no se le da la importancia necesaria. Se puede volver demasiado extenso si no se reduce como se debería, pues hay gran cantidad de información acerca de estos personajes, la cual iremos desarrollando a lo largo del trabajo.

Mi intención principal era centrarme en cómo los distintos autores de diferentes épocas los representan, qué significado tienen para ellos y por qué los han situado en sus obras. Puede parecer que los ángeles los realizan como si fuesen niños pequeños, pero al contrario de lo que la sociedad pueda pensar, existen tanto ángeles niños, como jóvenes, como ya entrados en la edad adulta.


Sara Padilla Lamadrid

“Todo el arte que ellas tienen”

Hablemos de arte, de todo lo que ellas son, de todo lo que ellas tienen. Hablemos de todo lo que han luchado y logrado, de su constancia y trabajo. Olvidemos la cantidad de veces que han sido representadas, vistas como musas, como modelos en las Majas, la Mona Lisa, las Venus o las bailarinas de Degas. Ellas, que han ocupado salas de museos para que muy pocas veces se hayan visto sus nombres en las obras. Hablemos de sus propias representaciones de mujeres, mostrando todo lo que ellas han sufrido y sufren. De lo poco valoradas que han estado a lo largo de la historia, de todos aquellos nombres que fueron borrados de los libros por pensamientos como el de Renoir “la mujer artista es sencillamente ridícula” o el de Bocaccio “el arte es ajeno al espíritu de las mujeres”. Hablemos de todas aquellas que demostraron no ser ridículas, que lucharon por poder mostrar un arte firmado por ellas y no por un varón. Hablemos de que son creadoras, pintoras, ilustradoras, diseñadoras, escultoras, soñadoras, trabajadoras… Hablemos de ellas porque en el siglo XXI muchas han sido olvidadas y otra gran cantidad sigue sin ser valoradas. Hablemos de todo lo que ellas han sido y serán, de todas aquellas revolucionarias que han hecho que la mujer esté más visibilizada, de todas aquellas que intentaron e intentan alcanzar la igualdad. Hablemos de su grandeza para valorar todo el arte que ellas tienen.


Ángela Plaza Hernando

“Danza”

El proyecto trata sobre la danza, y qué mejor forma que explicarla a través de imágenes, y como la danza no se puede explicar con palabras, lo haremos con pinturas, esculturas y fotografías.

Os estaréis cuestionando como se realizará una exposición de danza sin movimiento o sin música que la acompañe; no hace falta ser un experto en danza para visualizar la completa representación del movimiento, a pesar de que esta rama artística tiene estilos distintos que son fáciles de identificar por la clase de movimientos, técnica incorporada y sobre todo, la vestimenta que se suele utilizar en ellos.

Muchos denominan a la danza como un equilibrio entre perfección y belleza, siendo este el objetivo de todas las artes plásticas. Por ello en esta exposición queremos unificarlas a todas y plasmar la retroalimentación de las artes, que se inspiran unas a otras.

La clasificación de estas obras se realiza gracias a estos estilos de baile. En estas obras se plasma el contexto en el que surgen estas danzas o el movimiento que ellas engloban o la cultura que representan. Gracias a la diversidad de estilos, realza el dinamismo de esta exposición.


María Prieto Moralejo

“Genialidad y locura, ¿las dos caras de un genio?”

La presente investigación se refiere al tema de la relación entre genialidad y locura, que no es algo nuevo, ya Aristóteles en su libro: El hombre de genio y melancolía (problema XXX), relacionaba la tristeza y/o la locura con la genialidad, tenía un apartado en el que se preguntaba por qué los hombres excepcionales son con tanta frecuencia melancólicos, entendiendo a la melancolía con depresión y desequilibrio mental, el decía que la fuerza creadora es íntima de la melancolía, hermana de la depresión e hija de la manía, con esto quería decir que la melancolía es el motor y tope del genio creador.

El motivo que me llevó a investigar sobre este tema fue la gran cantidad de artistas con desequilibrios mentales que conocía (de oídas) y la curiosidad por saber si su trastorno tenía que ver con su genialidad, pregunta a la cual voy respondiendo a medida que realizo este trabajo.

Al investigar un poco sobre la vida de algunos de los grandes pintores y escritores, es posible descubrir que padecieron trastornos mentales que se reflejan tanto en su existencia como en su obra. El propio Dalí se definía como un paranoico y añadía con sospechosa lucidez: Debo ser el único de mi especie que ha dominado y transformado en potencia creadora, gloria y júbilo una enfermedad mental tan grave.

Hablaremos de artistas como Vincent Van Gogh; Séraphine; Edvard Munch; Adolf Wölfli; Josef Förster; Josef Grebing; Aloïse Corbaz o William Kurelek.


Carmela Rodríguez Abad

“Cuando el arte se escapa del lienzo”

Es un acto reflejo de prácticamente todos nosotros asociar con el arte urbano a la “nueva era”, sin embargo este concepto es de lo más erróneo , siendo realistas, lo que denominamos arte urbano es aquello asociado con el grafiti, es decir, pinturas o murales en las paredes de la calle, si nos ceñimos estrictamente a esta definición, el arte urbano no es cosa actual sino que se remonta a lo que consideramos el inicio del arte, el paleolítico, ya que las pinturas rupestres eran realizadas en paredes.

Este tema además de ser algo muy actual o muy “de moda” es un tema que genera una de las mayores controversias, la cual es: « ¿el arte urbano es arte o vandalismo?». Este debate es de lo más amplio y con puntos de vista muy diferentes.


Lydia Rodríguez Martín

“La primera”

El personaje de Lilith ha sido ligado desde la antigüedad a la sexualidad y a la rebelión. La biblia hace una ligera mención en el libro de Isaias 34:14, que dice: ´Los gatos salvajes se juntarán con hienas y un sátiro llamará al otro; también allí reposará Lilith y en él encontrará descanso´.  A parte de esa mención hay otras en las que podemos suponer que Eva no fue la primera mujer creada por Dios.

Podemos encontrar tambien textos sobre este ser en libros de la edad media como es en el “alfabeto de Ben Sira”, escrito entre los años 700-1000. No se tiene claro si estos textos están basados en tradiciones más antiguas.

También ha influenciado en el feminismo puesto que es la mujer que rechaza someterse al hombre (Adán) porque le considera como igual.

A lo largo de la historia diversos artistas han hecho diferentes representaciones de Lilith. Unos la representan como una mujer desnuda provocadora, otros la comparan con vampiros…

Lilith también ha sido representante del mal, por ejemplo, en una de las pinturas de la Capilla Sixtina está representada como la serpiente que le ofrece la manzana a Eva.

En esta exposición quería hacer un recorrido a las diversas formas que ha sido representado este personaje. Como ha sido relacionado con el mal, la desobediencia, sensualidad,…


Irene Valdunciel Sánchez

“Utopías y Distopías”

Mi objetivo principal es seleccionar los diferentes mundos, ya sean utópicos, distópicos o dimensiones paralelas que han sido propuestos a lo largo de la historia y como se han reflejado en las obras artísticas. Esta sección puede abarcar diferentes ramas artísticas como son la literatura (como por ejemplo el libro de Thomas Moro, Utopía o el de George Orwell, 1984), la arquitectura, la pintura e ilustración, la escultura, el cine (películas como Avatar o Matrix), la fotografía, y algo que actualmente también podemos sacar provecho de ello como los videojuegos. Estos mundos futuros serán consecuentes de los problemas de las sociedades de cuando se plantea, influyendo de una manera buena o mala en ellos (pudiendo introducir aquí, el tema medioambiental y del tiempo ya dichos). Este tema me gusta y me intriga mucho. Por una parte, pensar en cómo podría avanzar el mundo, su tecnología y la sociedad, donde se refleja en las utopías; o también en como la propia acción de los humanos puede llegar a acabar con nuestra existencia, reflejado en las distopias. Y, por otra parte (aunque un poco incoherente en el tema, ya que me centro en ello), la perdida que supone pensar como llegará a ser un futuro inexistente y que ni podremos predecir. Limitándote a existir en vez de vivir el presente.


Alicia Velasco Ribera

“El significado de los colores”

Los colores, son los portadores de expresión, sensaciones, sentimientos. Poseen su propio simbolismo y carácter además de su propio lenguaje y significado. Estos influyen en el ser humano, le proporciona emociones únicas. Por ejemplo, estar de amarillo da un humor sereno y alegre, posee una influencia positiva. En el lenguaje de las artes plásticas, el color es un primordial calificativo para los objetos, en algunas obras y movimientos artísticos el color es el componente protagonista. La psicología del color es un campo de estudio, dirigido a analizar nuestra percepción y comportamiento ante distintos colores, así como las emociones que suscitan en nosotros dichos tonos. Los colores de tu alrededor pueden estar influenciando continuamente tus emociones y tu estado mental. Ciertas tonalidades pueden irritarte o, por el contrario, relajarte y calmarte.

Este proyecto se va a centrar en todos esos significados a través de obras de artistas actuales. Aquellos que revelan sus creaciones públicamente en las redes sociales. Las obras que están incluidas son todas originales, ninguna está basada o inspirada en personajes, películas o series ya existentes.


Javier Villegas Becoechea

“Las voces del silencio”

Se le canta, se le guarda y se le usa para ambas mientras, huyendo del sonido, es sonido mismo, nos decía Lorca. Y John Cage recuperaría esta premisa y la mostraría en todo su esplendor y el mismo poeta lo usaría para enfrentar a sus personajes, pues el arte lo contiene en todas sus facetas, al igual que la sociedad, a la que conviene que muchas veces lo mantengamos inmóviles. Porque el silencio es belleza, muerte, manipulación, oración, mística…

Vemos muerte en el Ofelia de, inicialmente, John Everett Millais y que ha inspirado cientos de obras posteriores. Vemos oración y contemplación en el Angelus de Millet, interpretado por Antonio López (al que volveremos) en uno de los autorretratos con su esposa, Antonio y Mari, y muchas veces versionado por Dalí, que tenía una fuerte obsesión con esa pintura por la presencia de un niño muerto posteriormente pintado como una cesta de frutas.

Volviendo a López, observamos cómo se inspiraba en el silencio como expresión de belleza en, por ejemplo, su Gran vía, un cuadro en el que hace desaparecer a la gente de la conocida calle madrileña para pintar un retrato de la vida sin vida, de la cotidianidad menos común, pues posiblemente ese espacio sea recorrido por cientos de personas a diario que nunca lo han visto sin gente y en absoluto silencio como el cuadro nos plantea que está.

Anteriores a Millet o a Antonio López está la huida al silencio ya no como evasión artística sino como forma de vida, algo muy bien representado en el San Bruno de Francisco Ribalta. El santo fue un monje que fundó la orden contemplativa de los cartujos, de ahí que en el óleo mencionado aparezca con una Biblia y chistando al espectador, pidiendo continuo silencio.

En otros contextos no pictóricos vemos a Lorca usando el silencio en el teatro como forma de dolor o de provocar daño. La música también tiene muy presente el silencio y no solo como elemento expresivo; a veces ha sido tal su importancia que obras enteras se han dedicado a él, como es el caso de 4:33 de John Cage, pieza estrenada en 1952 que no fue la primera en ser totalmente silenciosa, pues en 1919 Schulhoff hizo el tercer movimiento (In futurum) de su Fünf Pittoresken totalmente en silencio. Además, ya desde el romanticismo con la sordera de Beethoven, ha habido compositores que han realizado su trabajo sin oír lo que hacían, pues Schumman, en el mismo periodo histórico, se convirtió en uno de los grandes creadores sin poder tocar lo que componía por sufrir una acusada distonía, una enfermedad que le impedía tocar el piano.