Curso 2022-2023
Todos los proyectos de investigación consisten en el diseño de una exposición virtual para el Espacio Creativo GaBe ubicado en el I.E.S. Delicias.
Tutores: Javier Castán y José Luis García Otero.
Gema Saras Rodríguez: “Fashion street”
Da igual que sea en una pasarela o en la calle, en ambas se respira arte. El ejemplo más representativo, que este trabajo busca tratar, son las modas urbanas japonesas desde los años 90.
Tokio ha sido conocida durante mucho tiempo por sus estilos extravagantes y expresivos, y el distrito de Harajuku fue el epicentro de los grupos juveniles más eclécticos y extravagantes.
Llama la atención como salen de lo común y normativo, no solo en la sociedad japonesa sino en la de todo el mundo. Impacta mucho saber que la moda surgida en un barrio de Japón, hoy en día, influye a millones de personas de forma internacional. La intención de mi trabajo será recorrer la historia, dar a conocer e informar de algunos de los estilos de moda urbanos japoneses.
Lucía Lozano Delgado: “Serendipia”
La palabra serendipia deriva del término inglés serendipity el cual fue utilizado por primera vez por Horace Walpole en 1754 a parti rde un cuento persa antiguo llamado “Los tres príncipes de Serendip”, en el cual los protagonistas solucionaban sus problemas gracias a increíbles casualidades.
Este término se define como un hallazgo afortunado e inesperado que se produce cuando se está buscando otra cosa distinta, y aunque ya no sea muy común su uso sigue estando vigente.
En este proyecto la palabra serendipia hace alusión al cristal, ya que el cristal apareció por casualidad en Mesopotamia en el año 2000 a.C. El verdadero origen del cristal no se conoce, pero la teoría más apoyada es que surgió de manera inesperada al colocar una especie de caldero con arena sobre unos bloques de carbonato de sodio, los cuales se utilizaban para hacer jabón en aquel momento. Al estar en contacto se mezclaron la arena y el carbonato sódico y por culpa del sol se fundieron, creando el cristal. A lo largo de la historia el cristal se ha ido extendiendo por el mundo y ha tenido diferentes significados y usos, por lo que también fueron apareciendo diferentes técnicas para trabajar con el vidrio hasta la actualidad. En la actualidad el cristal es un elemento que ha tomado mucha importancia hasta el punto de ser imposible imaginarse una vida sin este material. Pero no únicamente funciona como un elemento cotidiano, sino que también se utiliza como un componente de alta joyería, como es el caso de los cristales Swarovski, y también como componente artístico.
A pesar de la antigüedad del oficio del vidrio este proyecto se va a centrar en la evolución del cristal como corriente artística, hablando principalmente de obras contemporáneas. La decisión de hablar sobre el cristal se debe a la importancia que ha tenido el cristal en nuestra vida y la poca relevancia que se le da. Desde nuestra infancia el cristal está muy presente en nuestra vida cotidiana, como por ejemplo utensilios, mobiliarios, vehículos o juegos como las canicas, una pequeña bola de cristal que pasa desapercibida, pero nos puede llevar a hablar de algo mucho mayor como la obra “Eye” de Harley Littleton.
Julia Piedras Benito: “El folklore desde las representaciones de nuestra era”
Si una frase pudiera resumir mi idea de proyecto sería la que Theodor Adorno lanzó en sus trabajos sobre la tradición: “La mejor forma de ser fiel a una tradición es violentarla”; así, la mejor forma de hacer que las tradiciones sigan vivas en el tiempo presente es adaptarlas a la sensibilidad de las nuevas sociedades y a nuestra realidad actual. En este momento, estamos asistiendo al surgimiento de una corriente artística que quiere recuperar la raíz, la tradición, las formas artísticas de nuestro pasado, adaptándolas a nuestra visión y a nuestro tiempo. Pero las músicas de Guitarricadelafuente, C Tangana, Rodrigo Cuevas, Tanxugueiras… son ante todo creaciones de nuestro tiempo, que no serían posibles sin tantos artistas y músicos que siguen buscando todavía ese sonido tradicional, como Mayalde, El Nuevo Mester de Juglaría o Joaquín Díaz. Esta idea de la reactualización de la tradición creo que repercute directamente en otros aspectos artísticos, como la danza o las artes plásticas. Podríamos asociar las ilusiones ópticas junto a la magia, no tanto como la fantástica y surrealista, sino más al ilusionismo.
Asier García Marín: “Pero esto qué es”.
Presento mi trabajo como aquellas ilusiones, como las imágenes que tratan de engañar a nuestra vista. Óptical art, trampantojos, leyes de la Gestalt y diversas formas que llevan existiendo desde la edad de piedra pasando por cada una de las etapas del ser humano y desarrollándose para tenerlas presentes en nuestro día a día. Grandes ejemplo podría nombrar como las diferentes técnicas usadas en el Partenón ateniense, las pinturas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.»Huyendo de la crítica» de Pere Borrell del Caso, y muchos más actuales que lo mejor sería descubrir las ilusiones por si solas y disfrutas de los efectos que provocan.
Alba de Pedro Herrera: “Cine efectos visuales”
El cine es un arte el cual nos ha robado miles de sonrisas, lágrimas y sustos entre otras cosas.
Desde que se invento ya era algo majestuoso, sin embargo, no se ha quedado atrás. Ha logrado evolucionar y mejorar hasta la actualidad , consiguiendo así que a día de hoy todavía sigamos viendo al cine como algo espléndido y una buena forma de entretenimiento que podemos disfrutar en soledad o con nuestros seres queridos.
Uno de los avances que ha permitido mejorar la calidad del cine y permitir tener una amplia gama de imaginación a los equipos de producción son los efectos visuales o también denominados VFX. Dicho esto me gustaría realizar mi proyecto de investigación acerca de esta técnica centrándome en explicar en qué consisten los VFX.
Nicolle Dayanna Torres Marín: “La vida de los zapatos”
Mi proyecto va a tratar sobre los zapatos en el arte.
Quiero darles voz a todos aquellos zapatos que han sido creados para contar historias. Quiero contar las historias de aquellos zapateros, pintores, diseñadores e incluso las de sus dueños.
Empezaré hablando sobre los zapateros porque ellos son los artistas y un pilar fundamental en este proyecto. También explicaré el proceso de creación del calzado artesanal, para esto cuento con dos grandes maestros; mi madre y mi abuelo.
Finalmente, otro tema que mencionaré serán los tipos de calzado. Todos los apartados irán acompañados de obras completamente diferentes; ya sea por su material, apariencia, formato o por su significado. De esta forma, conoceremos diferentes artistas y peculiares obras de arte.
Elegí este tema porque en Colombia crecí rodeada de hormas, cuero y ese olor tan característico del pegante amarillo que se usaba para pegar la suela del zapato. Puedo decir con orgullo que crecí en una familia de artistas. Este proyecto lo haré inspirado en mi abuelo y mi madre; ambos empezaron a trabajar desde niños haciendo zapatos de cuero. La finalidad de este proyecto es dar a conocer el valor y la esencia del trabajo de los zapateros. Y demostrar que ellos también son artistas.
Natalia del Caño Martínez: “Bandas sonoras”
Mi tema del proyecto son las bandas sonoras.
El título que tengo pensado, de momento, es “Esto no es un sombrero”, haciendo referencia a la famosa imagen del libro de “El Principito” del sombrero o de la serpiente con el elefante.
La razón de este título es que el libro contiene una frase que se aproxima mucho a lo que quiero expresar en cierta parte con este proyecto, y es: “Solo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos”. Con esto quiero intentar demostrar la importancia que tienen las bandas sonoras y la poca atención que se les presta en muchos casos. Además, con la mención al sombrero, quiero dar a entender que tú ves un sombrero (la película), pero que si te dejas llevar más allá, podrás ver una serpiente con un elefante en su tripa (la banda sonora).
El objetivo principal de este proyecto, como ya he mencionado anteriormente, es mostrar la importancia que tienen las bandas sonoras en el mundo de los audiovisuales, pues muchas veces de esa palabra la parte de “audio” queda algo en el olvido. El audio es igual de importante que la imagen, pues una banda sonora sin película cuenta muchas cosas, sin embargo, una película sin banda sonora, se encuentra vacía.
Hablaré de qué es una banda sonora, las bandas sonoras a través de la historia, de los diferentes géneros cinematográficos que hay, de la psicología en el cine, principales creadores de bandas sonoras.
Marina Mesa Pérez: “Un mundo de opuestos”
El bien y el mal, dos caras de la misma moneda, Arcane.
En mi proyecto haré un repaso sobre obras más antiguas con este tema y luego hablar de cómo han evolucionado y centrarme finalmente en la serie de Arcane de animación, donde explicaré como se refleja este tema y analizaré otros, además de cómo los aspectos visuales contribuyen a la historia y también analizaré el concept art, diseño de personajes, fondos, objetos, la música, los efectos, la psicología del color y cómo se aplica, el argumento, las historias de los personajes, su psicología, su evolución, las relaciones entre ellos, en qué estilos se ha inspirado esta serie y qué movimientos artísticos influyen en su estilo, cómo ha repercutido y cómo influirá esta serie en la animación.
RESUMEN: Dos opuestos que son complementarios, dos caras de una misma moneda, inseparables, pero que, a veces, se mezclan; no hay nada perfecto, no hay nada que sea completamente malo, siempre habrá algo malo en lo bueno y bueno en lo malo ya que, todo depende de la perspectiva y por eso la verdad es una joya de múltiples facetas. En el pasado se han hecho obras que representan el bien y el mal, diferentes representaciones de mitos y leyendas, relatos religiosos, música donde se escuchan melodías que crean realidades opuestas, relatos y textos donde aparecen héroes y villanos, reflexiones acerca del mal y el bien, películas, comics… Han sido muchos los que han reflexionado sobre un tema que hoy sigue teniendo un gran interés y este es el tema más importante de Arcane, una serie de opuestos, donde todo está llevado al extremo de la perfección y cuyos detalles han sido minuciosamente cuidados. Esta serie ha llegado para revolucionar el mundo de la animación y demostrar que no es un género infantil. Arcane está lleno de secretos ocultos, como escenas que nos adelantan lo que va a ocurrir en los capítulos siguientes, pistas de cómo son los protagonistas y también, innumerables referencias a cuadros, obras, edificios importantes y estilos de varios siglos atrás, como el art Nouveau, el art Decó o el Romanticismo en la decoración, en imágenes, en ropas… Te encontrarás buscando una respuesta sencilla sobre quiénes son los malos y los buenos, sobre qué es lo malo y lo bueno, pero todo está mezclado y no nos damos cuenta de que el bien y el mal lo inventamos nosotros.
Ariane García Álvaro: “En dehors”
En este proyecto busco mostrar la belleza y la grandeza del ballet ya que pienso que se está menospreciando cada vez más. Quiero que la gente vea su encanto con los mismos ojos que yo lo veo y que entiendan su importancia tanto como deporte como arte.
Mi idea es presentar las distintas obras de ballet que existen hoy en día, hablar sobre la técnica y normas que componen este arte, su cultura, referentes y cómo ha sido representado con otras técnicas, como por ejemplo la pintura.
Alicia de Fuentes Hernández: “Sintacto”
Sintacto es un proyecto enfocado al arte del contacto visual y al arte de mirar.
Con la llegada del COVID, y con ésta las mascarillas, nuestros ojos más que nunca cobran un sentido más allá del de simplemente ver. Con esto no quiero decir que antes no tuvieran un motivo alejado del que acabo de nombrar, sino que como todo lo que nos enseñó la cuarentena, empezamos a valorar más las cosas que se dejaban ver (nunca mejor dicho) al imposibilitarnos otras facciones de nuestros rostros. Es por esto, que me gustaría abarcar todo lo que engloba el arte de la mirada, desde la misma anatomía del ojo hasta la psicología del lenguaje no verbal y todo lo que transcurre entremedias.
Me gustaría plantear algunas preguntas a modo de introducción de los aspectos que me gustaría cubrir:
– ¿Qué impacto tienen nuestras emociones en nuestra mirada? (Que no en nuestra vista).
– ¿Es lo mismo ver que mirar?
– ¿Una persona invidente es capaz de transmitir con la mirada?
– ¿Qué conlleva nuestra forma de mirar?
– ¿Tiene algo que ver el contexto cultural y social en el que vivimos con nuestra mirada?
– ¿Tiene algo que ver la forma de nuestros ojos en relación con la mirada?
– ¿Por qué el color del iris se relaciona tan directamente con la mirada?
Normalmente asociamos la palabra “contacto” a algo físico, palpable. Sintacto es un juego de palabras, pasar del “con” al “sin”. De la capacidad de tocar algo a expresar con la mirada, sin ningún tipo de contacto físico. Con este proyecto quiero transmitir la importancia que tiene nuestra mirada y cómo impactan nuestras emociones en ella y creo que no hay mejor forma de hacerlo que ejemplificándolo a través del arte y de la presencia del sentimiento que transmiten los ojos en múltiples obras a lo largo de toda la historia del arte.
Alba Gimeno Pérez: “Arte-terapia”
Es una práctica del arte en la cual personas con problemas mentales hacen terapia a través del arte. La arte-terapia hace que el paciente libere su imaginación y plasme un reflejo de la psique.
Una de las razones por la que he escogido este tema es porque la arteterapia es beneficiosa y apta para todos y muy poco conocida, con la cual podemos aprender a conocernos a nosotros mismos y canalizar nuestras emociones. A través del arte somos capaces de explorar, probar y crecer como personas con la finalidad de que cada estudiante se exprese libremente.
Por ello yo con este proyecto quiero dar a conocer una importante función del arte que muchos desconocen.
María Kabibi Nimubona Castrillo. “Moda”
A lo largo de los años el concepto de moda ha ido variando, pero se estima que el ser humano lleva usando ropa unos 170.000 años. La ropa surge originalmente como una
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necesidad del ser humano, es decir, para protegerse del clima, pero con el tiempo comenzó a usarse de manera significativa, como por ejemplo para diferenciar las clases sociales (el amo vestía de una manera diferente de la del esclavo), o el estado civil de los ciudadanos (como el estado de viudez). Pero el concepto de moda como tal nace en el Renacimiento, gracias a la aparición del oficio de los costureros, que se encargaban de crear piezas únicas y originales por encargo para la burguesía. Más a delante, en el año 1858 se marca un antes y un después, ya que a manos de Charles Frederick Worth se establecen las bases de lo que es el negocio actual de la moda, y lo que conocemos como alta costura, con todas las normas que esto implica, como por ejemplo diseñar de forma personalizada para clientes privados; tener un taller en París con al menos 15 trabajadores y 20 técnicos de tiempo completo y presentar una colección de mínimo 50 diseños originales por temporada durante enero y julio , estas normas fueron establecidas en 1945 y actualizadas en 1992 y actualmente siguen reguladas por La Chambre Syndicale de la Haute Couture. A parte también fue el primero en crear una serie de patrones que enseñó a su distinguida clientela bajo el nombre de “colección”. A mayores, fue de los primeros diseñadores en firmar su obra tal y como lo hacían autores de otras artes, como por ejemplo de pintura o escultura. Mas adelante, concretamente, en los años 50, nace el “pret a porter” a manos de Pierre Cardín, que consiste en producir en masa prendas de calidad con unas tallas estándar, para así alcanzar una clientela más amplia. Desde este momento el futuro de la moda en el arte se vuelve algo difuso, ya que se empieza a ver la moda de una manera más comercial, pero con la llegada de los diseñadores Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto a occidente en 1981 esto cambia de una forma casi radical.
Mireya Ruipérez Sánchez: “La imagen del terror en el arte”
La principal razón por la que pensé en elegir este tema para mi exposición debido a que el arte se asocia en casi siempre a obras brillantes; o que puedan llamar la atención por su bello significado o la representación de figuras hermosas, cuando las obras tenebrosas, escalofriantes y que puedan tener un significado o historia oscuros también es arte, simplemente generan una sensación diferente en quien es consumidor de estas obras.
Con este tema en mente, durante la exposición, hablaría a cerca de diferentes artistas y sobre sus correspondientes obras que son consideradas tenebrosas, incluso hablar sobre las razones o sucesos que les sucedieron para que llegarán a esa etapa donde su arte se vuelve oscuro. Nombrarla a un par de artistas y unas pocas obras para que la presentación no se alargará demasiado ni se hiciera pesada.
Refiriéndonos al catálogo, en este extendería más acerca de los artistas mencionados en la presentación y sus obras, añadiendo a parte diferentes artistas no mencionados y sus pertenecientes obras, junto a un pequeño comentario sobre cada una e información sobre cada autor.
Ángela Orihuela López: “La lluvia”
Mi idea del proyecto todavía no es fija, pero he pensado hacerlo sobre “La lluvia”. Me parece que es interesante y podré sacar varios temas, tanto en el arte plástico como en la literatura, el cine, la música u otros. No puedo decir mucho más porque al haber entrado recientemente en el BIE sigo pensando en ello.